Pandangan Mendetail Tentang Garis Waktu Sejarah Seni – Selama kita manusia bisa menggunakan tangan kita, kita telah menciptakan seni. Dari lukisan gua awal hingga langit-langit Kapel Sistina, ekspresi artistik manusia dapat memberi tahu kita banyak hal tentang kehidupan orang-orang yang membuatnya.
Pandangan Mendetail Tentang Garis Waktu Sejarah Seni
epcorcentre – Untuk sepenuhnya menghargai signifikansi budaya, sosial, dan sejarah dari berbagai karya seni, Anda perlu mengetahui garis waktu sejarah seni yang luas. Artikel ini menyajikan ikhtisar dari banyak era penting penciptaan seni dan konteks sejarah dari mana mereka muncul.
Baca Juga : Arts Commons Dulu dan Sekarang: Sejarah Organisasi Seni Maverick
Era Seni: Mulai dari Mana?
Selama umat manusia sadar akan dirinya sendiri, ia telah menciptakan seni untuk mewakili diri ini. Lukisan gua paling awal yang kita ketahui dibuat kira-kira 40.000 tahun yang lalu. Kami telah menemukan lukisan dan gambar aktivitas manusia dari Era Paleolitikum di bawah bebatuan dan di dalam gua.
Kita tidak dapat benar-benar mengetahui alasan mengapa manusia purba ini mulai menghasilkan karya seni. Mungkin melukis dan menggambar adalah cara untuk merekam pengalaman hidup mereka, untuk bercerita kepada anak kecil, atau untuk mewariskan kebijaksanaan dari satu generasi ke generasi berikutnya.
Meskipun kami memiliki contoh ekspresi artistik awal yang sangat bagus ini, sejarah resmi periode seni hanya dimulai dengan Era Romanesque. Garis waktu era seni resmi tidak termasuk lukisan gua , pahatan, dan karya seni lainnya dari zaman batu atau lukisan dinding indah yang diproduksi di Mesir dan Kreta sekitar tahun 2000 SM.
Alasan di balik keputusan ini adalah bahwa ekspresi artistik era awal ini terikat pada ruang geografis yang relatif kecil. Sebaliknya, era seni resmi yang akan kita diskusikan hari ini tersebar di banyak negara, seringkali di seluruh Eropa dan terkadang Amerika Utara dan Selatan.
Terlepas dari kurangnya pengakuan resmi, contoh paling awal dari bakat artistik manusia ini menimbulkan banyak pertanyaan menarik. Mengapa binatang yang digambarkan dalam lukisan gua jauh lebih realistis dan hidup daripada binatang yang digambarkan di era selanjutnya?
Timeline Gerakan Seni Komprehensif
Inilah saatnya untuk menyelam lebih dalam ke dalam konteks sosial, budaya, dan sejarah dari masing-masing era seni berbeda yang kami sajikan di atas. Anda akan melihat berapa banyak era yang mengambil pengaruh dari era sebelumnya. Seni, seperti kesadaran manusia, terus berkembang. Penting juga untuk dicatat bahwa garis waktu seni ini adalah sejarah seni Barat dan sebagian besar Eropa.
Periode Romawi (1000-1300): Berbagi Informasi Melalui Seni
Sejarawan seni biasanya menganggap era seni Romawi sebagai awal dari garis waktu sejarah seni. Seni romantik berkembang selama kebangkitan agama Kristen ca. 1000 M. Selama ini, hanya sebagian kecil penduduk Eropa yang melek huruf. Para pendeta gereja Kristen biasanya merupakan bagian dari minoritas ini, dan untuk menyebarkan pesan Alkitab, mereka membutuhkan metode alternatif.
Objek, cerita, dewa, orang suci, dan upacara Kristen adalah subjek eksklusif dari sebagian besar lukisan romantik. Dimaksudkan untuk mengajarkan massa tentang nilai-nilai dan kepercayaan Gereja Kristen, lukisan Romawi harus sederhana dan mudah dibaca. Karena tujuan Kristiani di balik lukisan Romawi, lukisan itu hampir selalu bersifat simbolis.
Kepentingan relatif dari figur dalam lukisan ditunjukkan oleh ukurannya, dengan figur yang lebih penting tampak jauh lebih besar. Terlihat bahwa wajah manusia seringkali terdistorsi, dan cerita yang digambarkan dalam lukisan tersebut cenderung memiliki nilai emosional yang tinggi. Lukisan romantik sering menampilkan makhluk mitologis seperti naga dan malaikat, dan hampir selalu muncul di gereja.
Pada tingkat yang paling mendasar, lukisan periode Romawi berfungsi untuk menyebarkan firman Alkitab dan Kekristenan. Nama era seni ini berasal dari lengkungan bundar yang digunakan dalam arsitektur Romawi , yang sering ditemukan di gereja-gereja pada masa itu.
Era Gothic (1100-1500): Kebebasan dan Ketakutan Datang Bersama
Salah satu era paling terkenal, seni Gotik tumbuh dari periode Romawi di Prancis dan merupakan ekspresi dari dua perasaan kontras pada zaman itu. Di satu sisi, orang mengalami dan merayakan tingkat baru kebebasan berpikir dan pemahaman agama. Di sisi lain, ada ketakutan bahwa dunia akan segera berakhir. Anda dapat dengan jelas melihat ekspresi dari dua ketegangan yang kontras ini dalam seni periode Gotik.
Sama seperti pada periode Romanesque, kekristenan berada di jantung ketegangan era Gotik. Ketika lebih banyak kebebasan berpikir muncul, dan banyak yang menentang konformitas, subjek lukisan menjadi lebih beragam. Benteng gereja mulai menghilang.
Sosok manusia mendapat lebih banyak perhatian selama periode Gotik. Seniman Gotik menyempurnakan wajah manusia yang lebih realistis saat mereka menjadi lebih individual, kurang dua dimensi, dan kurang mati. Perkembangan perspektif tiga dimensi dianggap telah memfasilitasi perubahan ini. Pelukis juga lebih memperhatikan hal-hal yang bernilai personal seperti pakaian, yang mereka lukis secara realistis dengan lipatan-lipatan yang indah.
Banyak sejarawan percaya bahwa salah satu alasan mengapa subjek seni menjadi lebih beragam selama era Gotik adalah karena meningkatnya luas permukaan lukisan di dalam gereja. Gereja Gotik lebih ekspansif daripada gereja periode Romanesque, yang dianggap mewakili perasaan kebebasan yang meningkat saat ini.
Bersamaan dengan kebebasan ekspresi artistik yang baru ditemukan, ada ketakutan yang mendalam bahwa akhir dunia akan datang. Diduga bahwa hal ini disertai dengan penurunan iman secara bertahap pada gereja, dan hal ini pada gilirannya mungkin telah mendorong perluasan seni di luar gereja. Nyatanya, menjelang akhir era Gotik, karya Hieronymus von Bosch, Breughel, dan lainnya tidak cocok ditempatkan di dalam gereja.
Kami tidak mengenal banyak seniman individu yang melukis pada periode Romanesque, karena seni bukanlah tentang siapa yang melukisnya melainkan pesan yang dibawanya.
Dengan demikian, perpindahan dari gereja juga dapat dilihat dari peningkatan besar-besaran seniman terkenal dari periode Gotik, termasuk Giotto di Bondone . Sekolah seni mulai bermunculan di seluruh Prancis, Italia, Jerman, Belanda, dan bagian Eropa lainnya.
Era Renaisans (1420-1520): Kebangkitan Kembali Era Seni yang Tak Pernah Ada
Era Renaisans mungkin salah satu yang paling terkenal, menampilkan seniman seperti Michelangelo dan Leonardo da Vinci. Era ini terus berfokus pada individu manusia sebagai inspirasinya dan mengambil pengaruh dari seni dan filsafat Romawi dan Yunani kuno. Renaissance dapat dilihat sebagai kelahiran kembali budaya.
Bagian dari kelahiran kembali budaya ini adalah fokus kembali pada dunia alami dan realistis tempat manusia hidup. Perspektif tiga dimensi menjadi semakin penting bagi seni Renaisans, seperti yang ditunjukkan dengan tepat oleh patung David karya Michelangelo . Patung ini mengingatkan kembali pada karya orang Yunani kuno karena sengaja diciptakan untuk dilihat dari semua sudut. Patung-patung dari dua era terakhir berbentuk dua dimensi, dimaksudkan untuk dilihat hanya dari depan.
Perspektif tiga dimensi yang sama terbawa ke dalam lukisan-lukisan zaman Renaisans. Lukisan dinding yang ditemukan sekitar 3000 tahun sebelumnya diberi kehidupan baru oleh pelukis Renaisans . Adegan menjadi lebih kompleks, dan representasi manusia menjadi lebih bernuansa.
Seniman Renaisans melukis tubuh dan wajah manusia dalam tiga dimensi dengan penekanan kuat pada realisme. Cat yang digunakan selama periode Renaisans juga mewakili pergeseran dari cat tempera ke cat minyak. Periode Renaisans sering dianggap sebagai awal dari lukisan lanskap Belanda yang luar biasa .
Mannerisme (1520-1600): Jendela Menuju Masa Depan Kitsch
Tentu saja, tajuk ini sebagian bercanda. Tidak semua seni yang dihasilkan di era ini adalah apa yang kita pahami sekarang sebagai “kitsch”. Apa yang kita pahami sebagai kitsch saat ini sering dibuat-buat, dibuat dengan murah, dan tanpa banyak rasa ‘klasik’.
Alih-alih, alasan kami menggambarkan seni periode ini sebagai kitsch adalah karena relatif berlebihan yang mencirikannya. Berasal dari kebebasan ekspresi manusia yang baru ditemukan pada periode Renaisans , seniman mulai mengeksplorasi gaya atau cara artistik mereka yang unik dan individual.
Michelangelo sendiri sebenarnya tak lepas dari pembesar-besaran yang membedakan era ini. Beberapa sejarawan seni tidak menganggap beberapa lukisannya yang belakangan sebagai karya periode Renaisans. Ekspresi perasaan dan gerak-gerik manusia, bahkan pakaian, sengaja dibesar-besarkan dalam lukisan-lukisan perangai.
Kurva S kecil pada tubuh manusia yang menjadi ciri gaya Renaisans diubah menjadi pembengkokan tubuh yang tidak wajar. Ini adalah gaya Eropa pertama yang menarik seniman dari seluruh Eropa ke tempat kelahirannya di Italia.
Era Barok (1590-1760): Pemuliaan Kekuasaan dan Penipuan Mata
Perkembangan seni merayakan kehidupan manusia atas kekuatan ilahi terus berlanjut hingga era Barok. Raja, pangeran, dan bahkan paus mulai lebih suka melihat kekuatan dan prestise mereka dirayakan melalui seni daripada Tuhan. Pembesar-besaran yang mengklasifikasikan Mannerisme juga berlanjut hingga periode Barok, dengan pemandangan lukisan menjadi semakin tidak realistis dan megah.
Lukisan-lukisan Baroque sering menunjukkan adegan di mana Raja akan naik ke surga, berbaur dengan para malaikat, dan semakin dekat dengan keilahian dan kekuasaan Tuhan. Di sini, kita benar-benar dapat melihat perkembangan kepentingan diri manusia, dan meskipun pokok bahasannya tidak sepenuhnya menjauh dari simbolisme agama, manusia semakin menjadi kekuatan sentral dalam komposisi.
Bahan baru yang memuliakan kekayaan dan status seperti emas dan marmer menjadi bahan berharga untuk patung. Kebalikan dari terang dan gelap, warna hangat dan dingin, dan simbol kebaikan dan kejahatan ditekankan melebihi apa yang terjadi secara alami. Akademi seni bertambah jumlahnya, karena seni menjadi cara untuk menunjukkan kekayaan, kekuasaan, dan status Anda.
Periode Seni Rokoko (1725-1780): Terang dan Lapang, Kemewahan Prancis
Lukisan-lukisan dari era Rococo adalah ciri khas aristokrasi Prancis saat itu. Nama ini berasal dari kata Perancis rocaille yang berarti “kerang”. Bentuk padat yang menjadi ciri periode Baroque melunak menjadi cahaya, udara, dan keinginan. Lukisan pada zaman ini tidak lagi kuat dan bertenaga, melainkan ringan dan jenaka.
Warnanya lebih terang dan cerah, hampir transparan dalam beberapa kasus. Banyak karya seni dari periode ini yang mengabaikan tema religius, meskipun beberapa seniman seperti Tiepolo memang membuat lukisan dinding di banyak gereja.
Sama seperti sikap aristokrasi Prancis saat itu, seni periode Rococo sama sekali dihilangkan dari realitas sosial . Idil sang gembala menjadi tema periode ini, yang menggambarkan kehidupan yang ringan dan tanpa beban, tanpa kendala kesulitan ekonomi atau sosial.
Klasisisme (1770-1840): Membuangnya Kembali ke Zaman Klasik
Klasisisme, seperti era Rokoko, dimulai di Prancis sekitar tahun 1770. Namun, berbeda dengan era Rokoko, Klasisisme kembali ke gaya ekspresi artistik sebelumnya yang lebih serius. Sama seperti periode Renaisans, Classisim mengambil inspirasi dari seni Romawi dan Yunani klasik .
Seni yang diciptakan pada era Klasisisme kembali ke bentuk yang tegas, warna dua dimensi, dan figur manusia. Nada lukisan-lukisan ini tidak diragukan lagi ketat. Warna kehilangan simbolisme mereka. Seni yang dihasilkan pada era ini digunakan secara internasional untuk menanamkan rasa cinta tanah air pada masyarakat masing-masing bangsa. Bagian dari Klasisisme termasuk Louis-Sieze, Empire, dan Biedermeier.
Romantisisme (1790-1850): Istirahat dari Keparahan Semuanya
Anda dapat melihat dari tanggal bahwa era seni ini terjadi pada waktu yang hampir bersamaan dengan Klasisisme. Romantisisme sering dilihat sebagai reaksi yang bermuatan emosional terhadap sifat tegas Klasisisme.
Berbeda dengan era Klasisisme yang ketat dan realistis, lukisan era Romantis jauh lebih sentimental. Eksplorasi yang tidak berwujud; emosi dan alam bawah sadar, menjadi pusat perhatian. Sekitar waktu ini, orang mulai melakukan hiking dalam upaya menjelajahi alam. Namun, bukan realitas sebenarnya dari alam yang ingin mereka temukan, tetapi cara yang mereka rasakan.
Tidak ada gaya yang nyata atau dapat ditentukan dengan tepat pada seni periode Romantisisme . Pelukis Inggris dan Prancis cenderung berfokus pada efek bayangan dan cahaya, sedangkan karya seni yang dihasilkan oleh pelukis Jerman cenderung memiliki pemikiran yang lebih gravitasi. Pelukis Romantis sering dikritik dan bahkan diejek karena interpretasi mereka terhadap dunia di sekitar mereka.
Realisme (1850-1925): Objektivitas di atas Subjektivitas
Karena era Romantisisme adalah gerakan reaksioner terhadap periode Klasisisme sebelumnya, demikian pula Realisme merupakan reaksi terhadap Romantisisme. Berbeda dengan konten lukisan Romantis yang indah dan sangat emosional, seniman Realis menampilkan yang baik dan yang indah, yang jelek dan yang jahat. Realitas dunia disajikan dengan cara yang tidak mencolok oleh para pelukis Realisme .
Para seniman ini berusaha menunjukkan kepada dunia, manusia, alam, dan hewan, sebagaimana adanya. Ada fokus pada “kewajiban seni menjadi kebenaran” seperti yang dikatakan Gustave Courbet .
Sama seperti Romantisisme, Realisme tidak populer di kalangan semua orang. Lukisan-lukisan itu tidak terlalu enak dipandang dan beberapa kritikus berkomentar bahwa terlepas dari klaim seniman tentang realisme, adegan erotis entah bagaimana kehilangan erotisme yang sebenarnya.
Goethe mengkritik Realisme, dengan mengatakan bahwa seni harus ideal, bukan realistis. Schiller juga menyebut Realisme “kejam”, yang menunjukkan kekerasan yang digambarkan oleh banyak lukisan.
